Grundsätzlich gibt es einen interessanten Widerspruch im Kern der kreativen Arbeit. Einerseits ist es wichtig, einen einheitlichen Stil zu entwickeln. Etwas Unterscheidbares in deiner Arbeit, dass es dir ermöglicht, dich als einzigartig von anderen Künstlern abzuheben. Du hast es sicherlich schon selbst erlebt, dass es nicht lange dauert, um zum Beispiel einen Film von Tim Burton zu erkennen, ohne dass du vorab wusstest, wer der Regisseur gewesen ist.
Auf der anderen Seite ist ein ebenso wichtiger Teil der Kreativität die konsequente Veränderung, Wandlungsfähigkeit und sich ständig weiterentwickelnde Nuancen innerhalb seines „Stils“.
Die Millionen-Dollar-Frage lautet also: Wie können wir in uns stimmig bleiben sein und gleichzeitig Veränderung und Vielfalt einbeziehen?

In welches Genre fallen deine Inhalte? Einige Beispiele sind: Natur, Landschaft, Architektur, Lifestyle, Portraits, Fantasy etc. Du musst dich nicht in eine Schublade stecken, aber die Festlegung eines Genres, in dem deine Arbeit aufgehen soll, kann eine gute Möglichkeit sein, deinen einzigartigen Stil zu entwickeln. Ich selber habe viel ausprobiert und irgendwann habe ich in mir festgestellt, dass von allen Genres die Naturfotografie meins ist. Das ich alles andere wie Produktfotografie, Familienfotografie oder Hotelfotografie auch gerne mache – aber mein Herz schlägt eindeutig für die Naturfotografie. Wofür schlägt dein Herz?

Wenn du Fotograf bist, in welcher Umgebung fotografierst du normalerweise? Woher kommen die meisten deiner Inhalte? Fotografierst du in einem Studio? Draußen – Wald, Küste Berge, Wüste…? In Städten oder in der Natur? Michael Kenna ist ein großartiges Beispiel für einen Fotografen, der einen einzigartigen Stil (schwarz-weiß) entwickelt hat, indem er diese beiden Elemente von Genre (Naturfotografie) und Umgebung (Draußen in der Natur) verwendet. Seine Fotos sind breit gefächert und alle sehr unterschiedlich, aber durch die Festlegung auf schwarz/weiß, minimalistische Landschaft sind seine Fotografien im Stil einzigartig. Natürlich wird es immer Menschen geben, die seinen Stil kopieren, aber trotzdem wird seine Art der Naturfotografie mit seinem Namen immer verbunden bleiben. Was ist deine Lieblingsumgebung?

Wenn du deinem Portfolio weitere Fotografien hinzufügst, wirst du wahrscheinlich einige unterscheidbare Themen in deiner Arbeit erkennen. Vielleicht steht deine Arbeit für die Erforschung von…. Für andere können die Themen Natur, Umwelt, Ökologie, Politik, Wirtschaft und sozialer Wandel sein. Andere Themenbeispiele sind technisch oder kreativ, Themen helfen dir, eine Leitlinie zu entwickeln, um deine Arbeit weiter voranzutreiben. Kreative Schöpfer wählen eine Handvoll Themen aus, die ihnen wichtig sind, um sie in ihrer Arbeit zu entwickeln. Welche Themen sprechen dich an?

Von wem fühlst du dich inspiriert? Gibt es einen anderen Künstler, dessen Arbeit dich anspricht? Wieso die- oder derjenige? Ohne direkt zu kopieren oder zu stehlen, können wir Ideen und Inspiration aus der Arbeit aufnehmen, die uns inspiriert, und Elemente davon in unsere eigene Arbeit integrieren. Es gibt so viel Inspiration da draußen. Bei Kreativität geht es darum, Dinge zu nehmen, die bereits da sind, und sie in etwas Neues zu verwandeln. Beginne mit einer großen Sammlung von Inspirationen und Ideen (Storyboard – Pinterest eignet sich dafür hervorragend) und entwickle deine eigene Sichtweise.
Aber: Ganz wichtig – orientiere dich nicht ausschließlich an deinen Lieblingsfotografen und kopiere sie nicht. Benutze nicht die selben Presets und Filter. Ich kenne genügend Fotografen auf Instagram, die alle von einander abschauen, dass man sie nicht mehr auseinander halten kann. Wollen wir das?

Lass deine Arbeit nicht stagnieren. Kunst erzählt eine Geschichte, und der Betrachter möchte auf eine Reise mitgenommen werden. Welchen Weg nimmt das Auge des Betrachters bei Fotografien oder Gemälden durch das Kunstwerk? Wie kannst du diese Reise interessanter gestalten? Wohin soll deine Aufmerksamkeit gelenkt werden? Wie kannst du das Interesse des Betrachters von einem Bild zum nächsten Aufrechterhalten? Bleib in Bewegung. Kunst in allen Formen ist wie das Erstellen eines Puzzles, das der Betrachter selbst zusammensetzen kann. Wenn es zu offensichtlich ist, kann der Betrachter das Interesse verlieren. Aber wenn wir den Betrachter anleiten und dazu anregen können, seine eigenen Schlüsse zu ziehen, haben wir die Prinzipien der Bewegung erfolgreich in unsere Kunst integriert.

Nimm nicht alles zu ernst. Wahrscheinlich hast du bereits einige Parameter festgelegt, in die deine Arbeit passen soll. Wenn du deinem Handwerk der Fotografie genügend Zeit widmest, wird sich dein Stil auf natürliche Weise weiterentwickeln. Wie kann man also spielerisch damit umgehen? Welche Elemente kannst du deiner Arbeit hinzufügen und ihm eine erfrischende Dosis Unbeschwertheit verleihen? Beim Schreiben ist es vielleicht eine Anekdote, um den Leser direkt anzusprechen. In der Fotografie fügst du vielleicht ein zufälliges Element ein, dass sich beim Betrachter fehl am Platz anfühlt oder du nimmst stattdessen etwas weg. Warum färbst du eine rote Erdbeere nicht mal türkis ein? Oder benutzt Dinge beim Fotografieren, die mit deiner Fotografie erst einmal nichts zu tun haben?

Dies wird Neugier und Faszination wecken und den Betrachter dazu bringen, sich zu fragen, was der Zweck ist. Auch wenn es keinen Zweck gibt, ist es etwas zum Reden und Nachdenken. Doch beachte bei aller Spielerei: Es gibt Fotografen die gerne witzig sein wollen und Aufmerksamkeit erregen möchten. Wie die des Selbstportrait eines pinkelnden Menschen an den Kreidefelsen von Rügen, als Persiflage von Caspar David Friedrich. Aufregung hat er es verursacht, aber ist es deswegen Kunst und nicht eher eine Spielart von Eigensucht? Es ist eine Frage der Balance. Zu wenig Esprit ist langweilig, zu viel Witz kann ins genaue Gegenteil umschlagen.

Verwechsele deinen eigenen Stil nicht mit Anerkennung.

Wie bei den meisten Dingen scheint das Finden eines Gleichgewichts der Schlüssel zu sein. Wir wollen konsistent und wiedererkennbar sein, aber auch spannend und sich ständig verändern. Das Gleichgewicht zu finden, ist nicht einfach. Am Besten ist, man bleibt sich selber treu und hört auf sein Bauchgefühl. Auch wenn ich selber gerne technische Dinge ausprobiere (z.B. Doppelbelichtung) und es auch gerne mal mit der Bildbearbeitung übertreibe, sind meine Naturfotografien immer noch echte Fotos. Als Geographin, als Naturwissenschaftlerin ist der Bezug zur realen Natur mir immer noch sehr wichtig. Ich versuche immer, das Handwerk der Fotografie, meine naturwissenschaftliche Ausbildung und meine kreativen Ideen als Künstlerin ein Einklang zu bringen.